KATSEYE ANUNCIA SU NUEVO EP BEAUTIFUL CHAOS PARA EL 27 DE JUNIO VIA HYBE X GEFFEN RECORDS
KATSEYE lanzará su nuevo EP, BEAUTIFUL CHAOS, el 27 de junio a través de HYBE x Geffen Records. Tras debutar en el puesto número 1 de los Emerging Artists y Heatseekers Albums de Billboard con su primer EP de 2024, SIS (Soft Is Strong), KATSEYE regresa con un conjunto de canciones que exploran las complejidades de la feminidad moderna y cómo el mundo real y el digital a menudo se entrelazan.
Después de que el mundo las viera competir y unirse a través del programa Dream Academy de HYBE y Geffen Records (y más tarde en la docuserie de Netflix Pop Star Academy: KATSEYE), la idea de un “caos hermoso” se sintió curiosamente reconfortante. El EP trata sobre cultivar conexiones, tanto de cerca como a distancia, en un mundo que se mueve demasiado rápido. Llevar pintalabios como armadura. Abrazar lo desconocido.
KATSEYE, conformado por Daniela (cubano-venezolana-estadounidense, de Atlanta, GA), Lara (india, de Nueva York, NY), Manon (ghanesa-italiana, de Zúrich, Suiza), Megan (chino-estadounidense, de Honolulu, HI), Sophia (de Manila, Filipinas) y Yoonchae (de Seúl, Corea del Sur), amplía su círculo creativo en BEAUTIFUL CHAOS. Colaboradores habituales como Justin Tranter (Selena Gomez, Chappell Roan) reforzaron la química central del grupo, mientras que nuevas caras como Andrew Watt (Lady Gaga, Jungkook), John Ryan (Sabrina Carpenter) y Kristin Carpenter (Nessa Barrett, JISOO) las empujaron hacia nuevos territorios sonoros.
El track principal, “Gnarly”, lanzado la semana pasada, es un hit para clubs con sintetizadores de rave y una actitud desafiante. THE FADER comentó: “Es abrasivo, camp, totalmente caótico… Como el primer vistazo al próximo EP de KATSEYE, ‘Gnarly’ saca al grupo de su zona de confort mientras abrazan un sonido más agresivo y descubren nuevos elementos en su relación en evolución.”
Hypebae añadió: “KATSEYE es el primer grupo de su tipo, que aprovecha el talento de ídolos del K-pop sin reglas para la creatividad: la receta perfecta para una música que rompe géneros.”
El video oficial de “Gnarly”, dirigido por Cody Critcheloe, rápidamente llegó al puesto #1 en Tendencias de música en YouTube y superó los 8 millones de vistas en la plataforma.
Billboard elogió el video como “de alta energía”, y agregó: “Estamos ansiosos por ver el viaje que las chicas están a punto de emprender, y pista: sabemos que va a estar bueno.”
Nombradas como artistas a seguir en 2025 por VEVO DSCVR y TIDAL, y nominadas a dos premios en los iHeartRadio Music Awards 2025, el grupo global de chicas es el primero de su tipo: formado dentro de los altos estándares del sistema K-pop, pero con el objetivo explícito de romper fronteras tanto culturales como creativas.
El grupo debutó con el sencillo titulado apropiadamente “Debut” en el verano de 2024, el cual fue incluido en la playlist “Songs You Need to Know” de Rolling Stone. Su segundo sencillo, “Touch”, apareció en la lista del personal de Billboard de “Las 100 mejores canciones de 2024”. Su EP debut, SIS (Soft Is Strong), que encabezó las listas, incluyó ambos tracks más tres canciones nuevas.
SIS recibió elogios generalizados de la crítica, con artículos en Interview Magazine, PAPER, Los Angeles Times (incluida una aparición en la portada de Image Magazine), Associated Press, Cosmopolitan, V Magazine, OUT Magazine y la primera portada enfocada en redes sociales de InStyle. El grupo se presentó en Good Morning America, GMA3, The Kelly Clarkson Show y en los MAMA Awards, donde compartieron escenario con el equipo de porristas de los Los Angeles Rams.
KATSEYE también protagoniza la nueva campaña digital global “Fendi For Yourself” de Fendi y Pepsi eligió “Debut” para una nueva campaña publicitaria.
BEAUTIFUL CHAOS ofrece la imagen más clara de quién es KATSEYE como grupo y la fuerza en la que se están convirtiendo. De cara al futuro, buscan medir su éxito no por estadísticas, ventas o premios, sino por la huella que dejen.
“Queremos que KATSEYE sea atemporal y tenga una influencia duradera. No solo por ahora — queremos que sea para siempre,” dice el grupo.
YA PUEDES ADENTRARTE EN TODOS LOS RINCONES DE «PUEBLO SALVAJE II» EL NUEVO DISCO DE
MANUEL CARRASCO
Se sabe qué tipo de persona eres por el modo en que eliges entre lo que te interesa y lo que importa, dependiendo de si sólo buscas el éxito o también buscas la verdad. No hace falta ser un lince para darse cuenta de que en este «Pueblo Salvaje» Manuel Carrasco se ha decidido por lo segundo, por escribir canciones que son cartas boca arriba y desde las que nos habla con el corazón en la mano, sin medias tintas ni paños calientes. La última de ellas, «El enemigo nº1», ya lo dice todo y nos recuerda que a la hora de las dudas no hay peor adversario que uno mismo, el único rival al que no puedes vencer sin salir derrotado. Esa sinceridad a cara descubierta la encontramos aquí por todas partes: en «Mi dignidad», en la arrebatadora «Museo del Prado», donde aprendemos el peligro de esperar respuestas para las que no existe la pregunta adecuada, o en «El grito del niño». Para enseñar las heridas primero hay que desnudarse, como quien no tiene nada que ocultar, ni siquiera sus secretos más dolorosos, y en ese sentido este disco es la demostración de que a veces tirar piedras contra nuestro propio tejado es la única forma de ahuyentar a los demonios que se han posado allí.
Pero que nadie se equivoque, «Pueblo Salvaje» no es un himno a la tristeza sino un canto a la vida, donde Manuel Carrasco demuestra que de las inseguridades y los malos momentos se sale a base de orgullo y por tu propio pie, aunque sea de la mano de quienes nos quieren; por eso nos deja claro que sentirse igual que “un vaso vacío que espera que alguien lo llene” no significa que no te sientas a la vez “el indomable, el clavo que no se deja clavar». Uno puede romperse la camisa y después usarla de bandera.
Este disco junta letras dignas de ser escuchadas y músicas que piden a gritos ser bailadas, contagia una alegría inteligente. Su esencia es flamenca, paro sus raíces están aquí y en América, la del sur y la del norte, buscan territorios propicios para reivindicar la naturaleza, el regreso a lo auténtico, lo que lucha por mantenerse puro en mitad de tanto ruido y tantas vanidades, lo que no ha sido domesticado y aún merece que se pelee por ello. Esa idea combativa está, por ejemplo, en «Tengo el poder», tan festiva y tan popular, con sus trompetas de feria o desfile, pero donde se nos vuelve a animar a rendirnos sólo si es para ser más libres. Y si hace falta cruzar una línea roja, porque al otro lado está lo más divertido, pues se hace al ritmo de un son cubano, como en «Prohibida». O nos vamos de discoteca en «La reina del baile» esa persona que te hace pensar: “me toca la lotería todas las noches con ella.” Todo un eslogan romántico.
«Pueblo Salvaje» nos recuerda que lo que distingue las cosas realmente importantes es que n
SEBASTIÁN YATRA PRESENTA EL EL SENCILLO “DISCO RAYADO” PREVIO A LA LLEGADA DE SU NUEVO ÁLBUM ‘MILAGRO’
Con el corazón en la mano y sin miedo a mostrarse tal como es, el ganador del Latin GRAMMY Sebastián Yatra revela su lado más vulnerable en su nuevo sencillo, “Disco Rayado”. Este himno de desamor con tintes de pop-rock captura ese instante en el que dejamos el pasado atrás para abrazar la esperanza. Como parte del universo creativo que Yatra ha construido con intención y detalle, “Disco Rayado” funciona como el último suspiro emocional antes de cruzar el umbral hacia ‘Milagro’, un espacio sonoro y visual donde lo terrenal se mezcla con lo divino. Con cada canción, el cantautor retrata momentos de sensibilidad y humanidad, celebrando lo extraordinario en lo cotidiano y recordándonos que, a veces, lo más simple puede ser lo más sagrado. Este nuevo lanzamiento refuerza aún más la profundidad emocional y versatilidad que distinguen a Yatra.
“Disco Rayado” cuenta la historia de un corazón que se resiste a soltar un vínculo que la otra persona ya ha dejado atrás. Como un disco rayado que se repite una y otra vez, el protagonista revive lo que alguna vez fue, negándose a aceptar el final. A través de melodías que evolucionan de la melancolía a una energía liberadora, la canción captura ese momento en el que decidimos dejar de aferrarnos a lo perdido y negarnos a que nuestras heridas definan nuestro camino. Yatra transforma el dolor en esperanza, recordándonos que desahogarse es el primer paso hacia la sanación.
Este viaje emocional cobra vida en un videoclip que cautiva desde el primer fotograma. Dirigido por Rocío Gastaldi y producido por The Movement, el video nos sumerge en la vulnerabilidad de Yatra, quien aparece solo en su habitación. La historia comienza con un primer plano de las cicatrices en su espalda —las mismas que vimos en el video de “La Pelirroja”—, creando un puente visual entre ambas narrativas. Esta referencia revela que estamos entrando en un nuevo capítulo del universo narrativo de ‘Milagro’. A medida que avanza el video, lo vemos liberarse del dolor que lo atormenta. Con cada verso que canta al volante, Yatra recupera fuerzas, alcanzando una catarsis que transforma no solo a él, sino también a quienes lo observan. Este desahogo visual abre la puerta a nuevos comienzos y reafirma que solo dejando atrás el pasado podemos abrazar plenamente el futuro.
En los últimos meses, el cantautor colombiano ha ido revelando pistas a sus fans sobre su esperado nuevo álbum. A través de imágenes, videos y reflexiones personales sobre los “milagros” que inspiraron el proyecto, Yatra ha develado poco a poco el alma de ‘Milagro’, su cuarto álbum de estudio. Cada canción representa un milagro cotidiano que cambia nuestra forma de ver el mundo: “Energía Bacana” refleja la memoria, “2AM” simboliza la libertad, “Vagabundo” encarna el baile, “Lienzo” representa la imaginación y “Una Noche Sin Pensar” captura la complicidad. Con estos lanzamientos, el artista invita a sus seguidores a conectar emocionalmente con cada fase de este viaje personal. Además, cada tema cuenta con un visualizador que humaniza a Yatra y da luz a cada canción y se integra de forma natural en el mundo de ‘Milagro’.
Este nuevo sencillo «Disco Rayado», al igual que “La Pelirroja”, marca otro capítulo en su evolución artística y personal, manteniéndose fiel a la esencia de su música mientras explora nuevas formas de contar historias a través del sonido y la emoción. El anuncio del álbum cobró vida con un video conmovedor protagonizado por un elenco diverso y un sobre misterioso, sumergiendo al público en un recorrido íntimo de reflexión e intriga. Con la lista completa de canciones ya revelada, Yatra ha despertado gran expectativa entre los fans, ansiosos por sumergirse en esta nueva etapa de su carrera.
MOTÖRHEAD LANZARÁ “THE MANTICORE TAPES” UN ÁLBUM “PERDIDO” DE 1976 ESTE 27 DE JUNIO
En 1976 se consolidó la formación seminal de Motörhead, un año después de la creación de la banda. Conocida como la era de los “Tres Amigos”, Lemmy (bajo/voz), “Fast” Eddie Clarke (guitarra) y Phil ‘Philthy Animal’ Taylor (batería) unieron sus fuerzas y comenzaron su extraordinario viaje a la cima de la élite del hard rock.
En agosto de 1976, la banda se instaló en el legendario estudio Manticore de Emerson, Lake & Palmer en Fulham para ensayar y mostrar la nueva formación. Mientras estaban allí grabaron juntos por primera vez y ahora, cuarenta y nueve años después, esta cinta perdida hace tiempo salió a la luz, desempolvada y restaurada en toda su cruda gloria para celebrar el 50 aniversario de la banda.
Resulta bastante surrealista, incluso increíble, que haya transcurrido medio siglo entero desde aquel momento vital de 1976. Igual de sorprendente, especialmente para aquellos que recuerdan a Lemmy martillando las máquinas expendedoras de fruta de los pubs londinenses o como la estrella de rock más extraordinariamente accesible de la época, ha sido el ascenso de este hombre siempre humilde a la inmortalidad del Monte Rushmore como ícono definitivo del rock and roll, a pesar de haber fallecido lamentablemente hace casi diez años. Sin duda, el propio Lemmy se habría reído a carcajadas.
Las tenaces luchas a las que se enfrentó Motörhead en los primeros cuatro de sus 50 años están bien documentadas y la manifestación casi accidental de este álbum -y las circunstancias en las que se grabó- presentan un nuevo elemento apenas conocido hasta ahora en la historia de la banda de aquella época en la que su propio futuro parecía sombrío si los acontecimientos no hubieran tomado un rumbo diferente.
Parte de esa historia temprana tenía que ver con un hombre poco mencionado llamado Frank Kennington, que hizo de roadie para The Who antes de pasar a la gestión y hacerse cargo brevemente de los Motörhead en apuros. Una de las maniobras de Kennington fue alojar al trío en el cine ABC reconvertido de Fulham Palace Road, que servía de cuartel general al supergrupo musical Emerson, Lake and Palmer, conocido como Manticore. Llamado así por la bestia mítica del folclore persa que adornaba las carátulas de sus álbumes, Manticore era el lugar ideal para los grupos, ya que la sala de proyección albergaba las oficinas, mientras que el auditorio principal, sin asientos, servía de escenario para que los grupos ensayaran. Motörhead se instaló en Manticore para grabar su actuación en el estudio móvil de Ronnie Lane, operado por Ron Faucus, el amigo de confianza de Ronnie.
Estas viejas cintas han sido restauradas por Cameron Webb, colaborador de Motörhead desde hace años, en los Maple Studios de California, y masterizadas por Andrew Alekel en Bolskine House de Los Ángeles. El resultado es un momento verdaderamente histórico en la evolución de los mejores íconos del hard-rock, restaurando y dando a conocer al público por primera vez una parte vital de la evolución y la historia de Motörhead.
“The Manticore Tapes” estará disponible en una edición de lujo ampliada que contendrá un doble LP y un single de 7”, LP simple, CD y formato digital.
Mira el nuevo videoclip de la canción “Motörhead” (The Manticore Tapes)
Pre-Ordena el álbum “The Manticore Tapes”:
https://motorhead.lnk.to/TheManticoreTapesPR
ELA TAUBERT, GANADORA DEL LATIN GRAMMY, LANZA SU MUY ANTICIPADO ÁLBUM DEBUT ‘PREGUNTAS A LAS 11:11’
Aunque la Generación Z suele ser celebrada por su honestidad emocional, cuando se trata del amor, esa misma transparencia no siempre es tan clara. Ahí es donde entra la cantautora colombiana y ganadora del Latin GRAMMY, ELA TAUBERT, quien le da voz y vida a esas preguntas sin respuesta y a esas dudas con su álbum debut, ‘PREGUNTAS A LAS 11:11’. Inspirado en el ritual de la infancia de pedir deseos a las 11:11, el álbum, producido por KEVN, se basa en la exploración del amor, el desamor y el auto descubrimiento—inspirado a través de esas preguntas que no nos dejan dormir por la noche.
Diseñado para ser escuchado de principio a fin, ‘PREGUNTAS A LAS 11:11’ abre con “¿QUIÉN DIRÍA?”, la única canción que habla sobre el amor, la emoción y el miedo de volver a enamorarse a pesar de las heridas del pasado. A partir de ahí, el viaje se sumerge en un mundo post-ruptura con su éxito global y himno al desamor “¿CÓMO PASÓ?”(tema que cuenta con más de 200 millones de reproducciones en Spotify, certificado platino en EE. UU. y México, y oro en España), seguido por el tema principal “¿TRATO HECHO?”, que trata sobre la duda de entregarse al amor correcto después de haber estado atrapado en el equivocado, y “¿ES EN SERIO?” – una balada coproducida por el legendario creador de éxitos Max Martin (Taylor Swift, The Weeknd, Justin Bieber), que combina vulnerabilidad y sarcasmo al reflexionar sobre la confianza, el valor personal y las promesas rotas.
El álbum luego toma un giro más introspectivo con temas como “¿TE IMAGINAS?” y “¿UNA VEZ MÁS?”, ambos inspirados en los años más vulnerables de ELA (de los 15 a los 25 años), capturando la complejidad del crecimiento y la aceptación de la imperfección. Un momento destacado llega con “¿CÓMO HACES?”, un emotivo homenaje a su mamá, Erika, que ha adquirido un nuevo significado gracias a una tendencia viral en TikTok. Los fans ahora dedican la canción a cualquiera que haya sido su apoyo incondicional, ya sea un padre, amigo, hermano o incluso una mascota. Una canción especialmente significativa para ELA, “¿CÓMO HACES?” también incluye las voces en vivo de los fans quienes asistieron el sold-out show de ‘Metamorfosis Tour’ en Bogotá donde ELA invitó a su audiencia a cantar el coro, grabando 15 tomas antes de obtener la grabación perfecta, que ahora acompaña el final de la canción.
Fiel a la visión de ELA sobre la vida en dos colores—azul para la vulnerabilidad y rosa para el empoderamiento—la segunda mitad de ‘PREGUNTAS A LAS 11:11’ marca el inicio de su audaz y desafiante era “rosa”. Canciones como “¿QUIÉN SOY PARA JUZGAR?” reviven con humor sarcástico los desamores del colegio, mientras “¿QUÉ MÁS QUIERES?” canaliza una mezcla intensa de rabia y sentimiento, y “¿POR QUÉ SOY ASÍ?”se convierte en un poderoso himno de autoaceptación, sanación y alejamiento de amores tóxicos sin remordimientos.
La montaña rusa continúa con la undécima pista, “PREGUNTAS,” el único título que no es una pregunta, a diferencia del resto del track list, y marca el momento más personal de ELA reflejando todo lo que siente a los 25 años y el progreso alcanzado como persona. El álbum sigue con “¿PARA QUÉ?”, tema que por primera vez impulsa a ELA usar sonidos country/folk fusionados con pop/rock latino, “¿POR QUÉ NO ME FUI ANTES?” y “¿Y SI ERAS TÚ?” que fue el primer adelanto del tema y ciclo del álbum en 2023. El álbum debut de ELA culmina con colaboraciones de gran impacto: “¿CÓMO PASÓ? (CON JOE JONAS)”, interpretada en vivo en los Latin GRAMMYs de este año, tras de que ELA ganara el premio a ‘Mejor Artista Nuevo’, y una versión en vivo de “¿CÓMO PASÓ? (CON MORAT)”, grabada durante el show de Morat en Chile, con entradas agotadas, cuando la banda sorprendieron a los fans invitando a ELA al escenario.
COUNTING CROWS LANZÓ SU NUEVO ÁLBUM «BUTTER MIRACLE, THE COMPLETE SWEETS!”
La banda de rock multiplatino Counting Crows lanzó hoy su nuevo álbum: “Butter Miracle, The Complete Sweets!” a través de BMG. Se trata de su primer disco completo de estudio desde el aclamado Butter Miracle: Suite One de 2021, y se basa en el hilo narrativo de su predecesor con nueve temas de gran resonancia emocional que reflejan la composición profundamente personal de Adam Duritz y la característica mezcla de rock, folk y alternativo de la banda. Escuchalo aquí
El single «Spaceman in Tulsa» introdujo el nuevo capítulo de la banda con un lirismo poético y un sonido fresco. Explora la búsqueda de la identidad en lugares a los que uno siente que no pertenece, y cómo la música puede ser un refugio transformador. La canción es una de las muchas inspiradas en las reflexiones del artista sobre los amigos, la distancia, la identidad y la reconexión, temas que fluyen a lo largo de todo el álbum.
Con «With Love, From A-Z», Duritz pinta lo que él llama “un retrato del artista como hombre de mediana edad», capturando los retos de mantener el amor y la amistad en medio de una vida pasada en la carretera. Canciones como «Boxcars» y «Angel of 14th Street» ahondan en las fracturas sociales y la crueldad que sufren las comunidades marginadas, estableciendo paralelismos entre la injusticia actual y la persecución histórica. «Virginia Through the Rain» ofrece una perspectiva más introspectiva, centrándose en los fracasos personales de un narrador imperfecto, mientras que «Under The Aurora» es una arrolladora reflexión a piano que equilibra la soledad y la urgencia de los últimos años con la esperanza de una conexión más profunda, se aleja para captar el anhelo colectivo de conexión durante la pandemia. «Elevator Boots» narra la experiencia de formar parte de un grupo, ilustrando melódicamente las alegrías y dificultades de la vida en la carretera. «Bobby & The Rat-Kings» es una carta de amor al poder formativo del fandom musical.
Este nuevo álbum llega antes de la gira internacional de la banda, The Complete Sweets! Tour, que comenzará el 10 de junio en Nashville, TN. La gira llevará la eterna narrativa de Counting Crows, su cruda emoción, sus ricas melodías y su adorado espectáculo en directo al público de Norteamérica y Europa durante el verano y el otoño del hemisferio norte de 2025. Las entradas están disponibles en countingcrows.com.
SOBRE COUNTING CROWS:
Durante más de dos décadas, el grupo de rock Counting Crows, nominado a los Premios Grammy y de la Academia de Hollywood, ha cautivado a oyentes de todo el mundo con su rock & roll atemporal, intenso, conmovedor e intrincado. La banda irrumpió en la escena musical en 1993 con su álbum multiplatino “August and Everything After”, han publicado siete álbumes de estudio y han vendido más de 20 millones de discos en todo el mundo, siendo considerados una de las bandas de rock en vivo más destacadas del mundo.
En octubre de 1996, su segundo álbum de estudio, “Recovering the Satellites”, doble disco de platino, debutó en el #1 y consolidó aún más su creciente reputación como una de las principales bandas estadounidenses de rock alternativo del mundo. Tras su éxito inicial, Counting Crows publicó “This Desert Life” (1999), “Hard Candy” (2002), “Saturday Nights & Sunday Morning” (2008), “Underwater Sunshine” (Or What We Did on Our Summer Vacation) (2012), “Echoes of the Outlaw Roadshow” (2013) y “Somewhere Under Wonderland” (2014). En 2004, Counting Crows grabó la canción «Accidentally in Love» para la película de animación Shrek 2, que ocupó un lugar destacado en los charts. El éxito inmediato del tema les valió una nominación al Oscar a “Mejor Canción Original” en los premios de la Academia de 2005, una nominación al Globo de Oro también como “Mejor Canción Original” y una nominación al Grammy en la categoría “Mejor Canción Escrita para una Película, Televisión u otro medio audiovisual”.
En 2021, Counting Crows ocupó el puesto #8 en la lista del 25 aniversario de Billboard «Greatest of All Time: Adult Alternative Artists». Después de siete años, Adam Duritz y Counting Crows lanzaron “Butter Miracle: Suite One” en mayo de 2021 con excelentes críticas. La banda también dio inicio a su primera gira desde 2018, «The Butter Miracle Tour», de 2021 a 2023, con entradas agotadas en Norteamérica, Europa, Australia y Nueva Zelanda.
¡NUEVO ÁLBUM YA DISPONIBLE!
https://countingcrows.lnk.to/BMTCS
BANDA EL PLAN DE LA MARIPOSA SE PRESENTARÁ EL 26 DE JUNIO EN SALA METRÓNOMO
Después de anunciar su primer estadio para el próximo octubre en el Estadio Diego Armando Maradona de Argentinos Juniors de Buenos Aires, El Plan de la Mariposa comenzará una gira por Argentina y Latinoamérica. Dicho periplo los traerá a Santiago de Chile el 26 de junio en la Sala Metrónomo de Santiago de Chile, y los tickets ya están a la venta en Passline.
La gira de la banda comenzará en Santiago de Chile (26/06), continuando por Lima – Perú- (27/06), Bogotá (28/06) y Medellín (29/06) en Colombia. Además, El Plan de la Mariposa anunciará pronto una extensa gira por toda Argentina.
Sin duda que este ha sido un agitado momento para el conjunto, partiendo este 2025, con presentaciones en festivales como Cosquin Rock y Quilmes Rock, además de dos shows agotados en Punta Ballena (Uruguay), Anfiteatro de Rosario (agotado) y una gira por Europa que incluyó ciudades de España, Holanda, Inglaterra y Dinamarca.
Entradas para el show en Santiago ya disponibles a través de Passline.
SOBRE EL PLAN DE LA MARIPOSA
El Plan de la Mariposa es una banda de rock alternativo, con más de diez años de trayectoria y un crecimiento sostenido en la escena del rock argentino. Nacidos en la ciudad de Necochea, Costa Atlántica Argentina, han editado en su carrera seis álbumes de estudio, y cuatro discos en vivo en los que han dejado registros de algunas de sus más potentes presentaciones en recintos míticos como el reconocido Estadio Obras de Buenos Aires (con dos sold outs en 2022) o el gran Estadio Luna Park (con dos sold outs en 2023). Dieron un gran paso en 2024 presentando con entradas agotadas su último álbum CORRENTADA en el Movistar Arena.
El Plan ha realizado numerosas giras que le han llevado a recorrer casi todas las provincias de Argentina. Además, han viajado con su música en giras internacionales, que ahora le llevarán de vuelta por México, Colombia, Chile, Uruguay, Paraguay, España, Dinamarca, Costa Rica y más territorios.
La propuesta del Plan es una poderosa mixtura de canciones rock con toques de funk, psicodelia, música celta y ritmos latinos. Sobre una sólida base rockera de guitarra bajo y batería, entrelazan arreglos de violín, acordeón, y sintetizadores que dan profundidad y riqueza al sonido, con líricas introspectivas y viajeras.
CANTANTE GREEICY PRESENTA EL SINGLE “LIMONAR”
La reconocida cantante, actriz y nominada al Latin GRAMMY®, Greeicy, inicia un nuevo capítulo musical con “Limonar”, su más reciente sencillo disponible a partir de hoy en todas las plataformas digitales.
Con la dulzura y autenticidad que le caracteriza en la interpretación, Greeicy se muestra reflexiva y anclada en la gratitud, en un tema que combina la sutileza e intimidad de una canción a guitarra y voz, con la profundidad sonora a través de elementos electrónicos, que dan brillo, modernidad y un aire etéreo a la composición.
“Limonar”, compuesta por Greeicy junto a Rios, Speadlof y Mike Bahía, es una ventana al mundo interior de la artista. En ella, Greeicy contempla cómo el éxito profesional puede desconectarte de las pequeñas cosas de la vida.
A través de íntimos versos, que por momentos parecen una hoja del diario personal de la cantante, la artista revela desde la vulnerabilidad cómo las pérdidas y despedidas se transformaron en lecciones profundas sobre su propia fortaleza.
“La canción habla de todas esas cosas que uno empieza a cumplir en la vida, en la que vas con el afán de cumplir objetivos y en el camino vas encontrando nuevos sueños y en un momento miras para atrás y dices ‘¿por qué empecé yo a hacer esto? ¿cuál era el objetivo?’”, reveló la cantante.
En el sencillo, Greeicy resalta el valor de la maternidad y cómo, a través de los ojos de su hijo Kai, inició un viaje transformador que le ha llevado a ver su propia vida desde la pausa, permitiéndole reorganizar sus prioridades, saborear cada momento y redescubrir experiencias cotidianas desde una nueva perspectiva.
Este tema es el primer lanzamiento de Greeicy en 2025, luego de una serie de colaboraciones exitosas con la estrella panameña Boza en “todavíA” y el cantante español nominado al Latin GRAMMY®, BORJA, en “MACARRONES CON QUESO”.
“Limonar” representa la evolución artística de Greeicy, ofreciendo una ventana a su crecimiento no solo como intérprete sino como compositora y, sobre todo, como persona.
El sencillo llega tras el arrollador éxito de su gira “Greeicy-Yeliana World Tour” con la que regresó a los escenarios, reencontrándose con sus fieles seguidores en países como Colombia, Estados Unidos, Puerto Rico, México, Bolivia, Argentina, Venezuela, Chile, Guatemala, El Salvador, y España.
¡REENCUENTRO EN INTI-ILLIMANI HISTÓRICO! LA BANDA ANUNCIA CONCIERTO JUNTO A EMBLEMÁTICOS MÚSICOS DE DISTINTAS ÉPOCAS
El vibrante reencuentro musical incorporará a los músicos Jorge Ball, Pedro Villagra, Cristóbal Berrú y Cristián Mancilla y lo celebra en concierto
La banda insigne de la Nueva Canción Chilena, Inti-Illimani Histórico, celebrará su trayectoria y rememorará sus momentos más importantes junto a cuatro invitados especiales, el día 26 de diciembre, en Teatro Caupolicán. Entradas disponibles en PuntoTicket a partir del día miércoles 14 de mayo a las 12:00 hrs.
Los músicos que han sido un aporte significativo en diferentes momentos de este viaje artístico de 58 años, Jorge Ball, Pedro Villagra, Cristóbal Berrú y Cristián Mancilla, contribuirán en este concierto con sus virtuosas sonoridades, ritmos y timbres, prometiendo una experiencia única para los amantes de la música.
Inti-Illimani Histórico, grupo clave en la estética musical de Chile y de Latinoamérica, ofrecerá este espectáculo con su formación actual, compuesta por Horacio Salinas, José Seves, Horacio Durán, Camilo Salinas, Fernando Julio, Danilo Donoso y Hermes Villalobos, quienes se reencontrarán con los músicos ya nombrados para realizar un recorrido a través de la historia poético-musical, inolvidable y llena de significados de la banda.
Músicos invitados
Jorge Ball se cruzó con Inti-Illimani por primera vez en 1983, en Italia, mientras estudiaba lutería en Cremona, tierra de los Stradivarius. Venía de estudiar flauta traversa en Paris y ya tenía la maestría del cuatro venezolano. Con sus conocimientos y talento, hizo de la música del Inti un repertorio enérgico y luminoso.
Desde 1986 en Alemania, Pedro Villagra -de Santiago del Nuevo Extremo-, comenzó a coincidir con Inti-Illimani en diversas giras musicales. Luego de 10 años, fue convocado para que colaborara con su virtuosismo en los vientos de la agrupación. Amante del saxo en sus diversos registros, así como de quenas y quenachos, con su incorporación, la música del Inti experimentó soltura y amplió su sonoridad.
Por su parte, Cristóbal Berrú, cantante y trompetista, es hijo de Max Berrú, integrante inolvidable de los primeros 30 años del grupo, por lo que su participación en este concierto reviste de una emoción especial. Con Cristóbal reaparece el timbre de Max y un dejo ecuatoriano muy presente en la historia del Inti.
Por último, Cristián Mancilla, versátil instrumentista y cantante, es parte de la historia más reciente de la banda. De sólida formación chilenera en la cueca, Cristián aporta solidez y hondura en la musicalidad que requiere el Inti.
BANDA KANETIS VUELVE CON «MIOQUIMIA»
A la contundente generación de bandas que está haciendo rock en Chile, se suma el regreso del grupo Kanetis. Comenzaron por allá por el año 2000, en el contexto de compañeros de colegio tocando rock alternativo con variadas influencias. Tras 17 años bajo el nombre de A.P.I.O., decidieron dar un giro creativo. Más allá del grunge y lo alternativo, la banda se empapó de metal y rock progresivo y cambió su nombre a Kanetis. Una adaptación de Canetis, que en latín significa sonidos.
Hoy vuelven con «Mioquimia», canción que se grabó entre fines de 2024 e inicios de 2025, en Atonal, su home studio. Fue una producción de Kanetis, mezclada y masterizada por Franco Quezada en los estudios FAQ Record. La banda, actualmente, está integrada por Cristian Monardes, Diego González y César Araya. Ya existe un disco homónimo publicado en julio 2020 y una compilación de demos, titulada «Recuerdos», que se subió a Spotify en abril 2024, la que comprende canciones entre 2000 y 2008.
Con respecto a este nuevo regreso, la banda comenta: «Mioquimia trata acerca de las enfermedades mentales, que se han visibilizado mucho más desde la pandemia, Mioquimia es el movimiento involuntario de los párpados, signo de stress, un impulso nervioso indicador que algo anda mal en el cuerpo, una señal muy común, que nos avisa que debemos poner atención a nuestra salud mental. La idea de la canción fue dar una visión esperanzadora de lucha ante estas problemáticas. Se pueden superar».
Ya se encuentra disponible Mioquimia en Spotify YouTube Music Deezer Tidal
Sigue a Kanetis en Instagram
FER VAZQUEZ REGRESÓ A CHILE CON ROMBAI
El cantante brindó un concierto sold out en Club Amanda y se prepara para regresar al país a fin de año con una gira por regiones.Después de seis años, Fer Vázquez volvió a pisar suelo chileno y demostró que su música sigue tan vigente como siempre.
Con un sold out en Club Amanda, el cantante uruguayo puso a bailar a Santiago el pasado 9 de mayo, anticipando una gira que hará por el país en el mes de septiembre
El encuentro se hizo esperar seis años, sin embargo, cuando hay cariño el tiempo no importa. Este viernes 9 de mayo, Fer Vázquez volvió con Rombai a Santiago de Chile e hizo vibrar a todos sus fans con un show deslumbrante y con entradas agotadas en Club Amanda.
El repertorio estuvo plagado de grandes éxitos que ya pasaron a la historia y se posicionaron como clásicos de la cumbia -Noche Loca, Locuras contigo, Yo también, Adiós, Cuando se pone a bailar y Me voy, entre muchos otros- y las canciones nuevas que llegaron en los últimos meses para conquistar corazones, como “Yo También” y “Te Amo”.
El público, totalmente extasiado, no paró de bailar y cantar las canciones que marcaron una época y una generación al ritmo de “Rombai ¡De fiesta!”. Con banda completa y bailarines, Fer Vázquez demostró que sigue siendo uno de los grandes artistas de Latinoamérica y que su música trasciende generaciones y fronteras.
Tras su paso por Santiago, el cantante se prepara para dar una gira por el interior de Chile en el mes de septiembre, la cual se anunciará próximamente.
innovador y a la vanguardia, Fer Vázquez nos regala una canción para dedicarle a esos amores que nos acompañan en estos primeros días de frío, en donde la idea de dormir abrazaditos y tomar unos mates suena muy tentadora. Un tema que invita a dejarse llevar por los sentimientos y a jugársela de frente.
Luego de presentar “Besarnos Sin Ropa”, la bomba explosiva junto al dúo Roze, y “Más de lo que te imaginas”, Fer vuelve a bucear en su lado más juguetón con esta nueva canción pegadiza y divertida. Los sonidos vibrantes de la cumbia pop se combinan con una letra llena de juego y seducción, convirtiéndose en el tema ideal para esos momentos de conexión donde sobran las palabras y el baile toma la delantera.
«Unos mates y.…» nació de las redes sociales, cuando durante el verano Fer se puso el desafío de compartir todos los días una canción nueva, de las tantas que produce en su rutina. Ni bien escuchó el estribillo, la gente comenzó a jugar con la letra y hacer divertidos y sugestivos videos, con el mate –ese ritual tan propio de Argentina y Uruguay– como principal protagonista, logrando en poco tiempo generar más de 2 mil videos con el audio.
Conectado con el sentimiento popular y con la valentía para salir de su zona de confort, durante todo el 2024 Fer Vázquez presentó una serie de canciones que no solo dieron espacio a nuevas voces, sino que también le permitieron explorar nuevas facetas musicales, reafirmando su versatilidad como artista. Tomando cada proyecto como una nueva aventura y una oportunidad, el máximo exponente de la cumbia cheta vuelve a desafiar los límites. Así, aprovecha el poder de las redes sociales para crear una canción auténtica, impulsada por los sentimientos del público y que revitaliza el objetivo principal de su música: la conexión genuina con su gente.
«Unos Mates y.…» (video oficial)
SHARIF Y RAFAEL LECHOWSKI: UNA NOCHE MÁGICA EN EL CLUB CHOCOLATE ESTE 17 DE MAYO
El próximo 17 de mayo, en el escenario del Club Chocolate en Santiago recibirá a dos de los poetas más destacados de la escena del rap en español: Sharif y Rafael Lechowski. Este evento promete ser una velada única e inolvidable, un encuentro donde la música y la poesía se entrelazan en perfecta armonía.
Rafael Lechowski, ícono del rap y la palabra, llega por primera vez a Chile, marcando un hito que quedará grabado en la memoria de sus fans. Desde su inigualable capacidad para transmitir emociones a través de versos cargados de profundidad hasta su estilo inconfundible, Lechowski ha cautivado audiencias en todo el mundo. Ahora, finalmente, los seguidores chilenos tendrán la oportunidad de experimentar en vivo la magia de su arte.
Junto a él, estará el querido y siempre esperado Sharif, quien regresa a nuestro país para reafirmar por qué es uno de los nombres más respetados de la escena hip-hop. Con un repertorio cargado de honestidad y lirismo, Sharif ha construido una conexión especial con el público chileno, y esta noche será una celebración de esa conexión.
El Club Chocolate, ubicado en el corazón de Bellavista, será el epicentro de esta experiencia íntima y poderosa. Las entradas ya están disponibles y se espera un lleno total. No te pierdas esta oportunidad de ser parte de una noche que promete quedar en la historia de los eventos culturales de Chile.
CONÍFEROS DEL SUR, LA OBRA DE DANZA-TEATRO QUE LLEGA GRATIS A RECOLETA Y LO PRADO
La pieza coreográfica surrealista, cuenta una metáfora sobre la historia del continente, desde pueblos indígenas hasta la vida moderna, situándose en el cono sur, momento en que la vegetación y las especies conviven de manera armónica con los humanos. De la mano de su creadora y directora Melody Bosch y de la Compañía Vertebrar, la obra observa y cuestiona los cambios en el convivir político, lo corporal y la cotidianidad abarcando generaciones originarias. El cono, de manera minimalista, es el único objeto escenográfico presente, siendo bosque, ciudad, máscaras y elementos sagrados, creando un juego imaginativo con el espectador. Se compusieron piezas musicales en la que participaron cerca de 13 intérpretes.
Coníferos del Sur es para mayores de 14 años y se presenta este viernes 16 y 23 de mayo en los teatros de los centros culturales Recoleta y Lo Prado, con entrada gratuita para ambas funciones.
«Coníferos del Sur» es una pieza coreográfica con 4 intérpretes, que utiliza la danza y el teatro físico, como medio para crear una metáfora sobre la historia de nuestro continente. busca recuperar la memoria de los cuerpos a través de la manifestación del “tránsito” como recurso de movimiento y el “cono” como enunciado del espacio geopolítico.
Drección y creación
Melody Bosch, es Licenciada en Pedagogía en Danza UAHC Diplomada en Danza-Teatro y Performance con estudios de composición coreográfica. Posee 25 años de trayectoria en danzas Afro-Latinoamericanas, Carnaval y uso de Máscaras. Además, se ha formado en teatro con diversos maestros de la Universidad de Chile, Escuela Nómade del Teatre du Soleil, Talleres en diversas instituciones y Teatro de Intervención Nacional. A su vez, la compañía Vertebrar (2017), Inicia en el año 2017. Sus integrantes, han experimentado y mostrado su proceso de creación, investigación y aprendizaje como intérpretes para compañías y agrupaciones de danza, teatro y carnavaleras, recopilando y trenzando estudios para fundamentar inquietudes artísticas y filosóficas de su quehacer en el arte y educación. Actualmente, se dedican a la realización de obras creativas y otorgan espacios de pedagogía de danza y teatro en diversos territorios y contextos de Santiago.
Música
La música del montaje fue compuesta por Emilio Figueroa, quien pudo plasmar un viaje en el tiempo, por la historia sonora del continente, desde tiempos precolombinos hasta la actualidad, creando consigo ritmos para la danza y atmósferas para las escenas. Fue grabada en Palo Quemado y producida por Ferona Estudios, y participaron en su grabación 13 intérpretes en distintos instrumentos: batería, percusión latina, saxo, bajo eléctrico, guitarra, contrabajos, Cello, charango, flauta traversa, zampoña, quena, silbatos indígenas, bombo leguero, trombón, trompeta, sintetizadores, música electrónica, música concreta y la pieza completa se encuentra disponible en las plataformas de descarga.
Coníferos de Sur se presentará el viernes 16 de mayo en el Centro Cultural de Recoleta, ubicado en Inocencia #2711 a las 19.00 horas y el viernes 23 de mayo en Paseo de las Artes #880 a la misma hora. Las entradas son gratuitas previa inscripción en https://linktr.ee/cia.vertebrar
“CHICO” PÉREZ LLEGA A GRAN ARENA MONTICELLO A CELEBRAR LOS 25 AÑOS DE “LA FIESTA 80S Y 90S DE CHILE” ESTE 5 DE JULIO
El concierto tendrá tres destacados invitados; Miguelo, Síndrome y Miguel Barriga, quienes cantarán en vivo. En la previa del concierto el público podrá disfrutar de los restaurantes del Boulevard Monticello y luego seguir celebrando en el Casino y Black Bar.
Era el año 2000 y Cristián “Chico” Pérez destacaba como uno de los principales Dj de nuestro país, lo que lo impulsó a organizar fiestas enfocadas en la música de los 80s y 90s, sorprendiendo con el concepto de “shows itinerantes”, para que regresar el ambiente de las discotecas de antaño y así reunir a un segmento más adulto, que añoraba revivir las fiestas de los años 80 y 90.
Ha pasado el tiempo y “Chico” Pérez llegará a Gran Arena Monticello para celebrar los 25 años de “La Fiesta 80s y 90s” más exitosa y reconocida de Chile, con un DJ Set/Concierto el próximo sábado 5 de julio desde las 20.30 horas. La presentación del destacado Dj contará con la presencia de tres invitados: Miguelo, Síndrome y Miguel Barriga y las entradas están a la venta por el sistema Ticketmaster.
Cristián Pérez ha girado por nuestro país desde el año 2000 acumulando la increíble cantidad de casi 2 mil shows en estos 25 años. Junto a Raúl Soto en la animación, Pérez se ha consagrado como el DJ retro más famoso y reconocido del circuito nacional y ha sido el encargado de llenar de hits ochenteros todas las fiestas que ha protagonizado.
Cristián “Chico” Pérez inició su trayectoria como Dj en 1988 y fue en 1997 que llegó a Santiago a ser parte de la naciente Radio Activa, donde se desempeñó musicalizando las jornadas de los chilenos.
Importante: Compra entradas sólo en Ticketmaster y en los puntos de venta oficiales de Monticello
Estacionamientos gratuitos
LA ACADEMIA LATINA DE LA GRABACIÓN® PRESENTA GRAMMOFONÍAS
La Academia Latina de la Grabación® anunció el debut de su nuevo podcast, Grammofonías. La serie, que se estrena con seis episodios, cuenta con conversaciones entre 12 reconocidos artistas que exploran temáticas desde la creatividad artística, amistad e identidad de género hasta mentorías e inspiración musical, entre otras.
Los artistas destacados forman parte de un grupo diverso que representa a los miembros de La Academia Latina y refleja su crecimiento y evolución a lo largo de 25 años. Cada uno de estos seis duetos conecta a artistas con extensas carreras con músicos jóvenes, quienes comparten una admiración mutua y presentan momentos Latin GRAMMY únicos e íntimos.
“Estamos muy entusiasmados con el lanzamiento de esta nueva plataforma que busca conectar a los amantes de la música con los intérpretes y compositores que están dando forma a los sonidos de la actualidad y ampliando los horizontes de la música latina”, dijo Manuel Abud, CEO de La Academia Latina de la Grabación. “Esta serie honra nuestro legado musical y nos permite compartir los momentos únicos que se viven en los escenarios del Latin GRAMMY.”
Grammofonías presenta cautivantes conversaciones a fondo entre los siguientes artistas:
Gilberto Gil, ganador del Latin GRAMMY® y Persona del Año 2003 de La Academia Latina de la Grabación™, y João Gomes, nominado al Latin GRAMMY.
